Was ist Abstrakte Kunst ?

Was ist Abstrakte Kunst ?

 Abstrakte Kunst :

Abstrakte Kunst verwendet eine visuelle Sprache von Form, Farbe und Linie, um eine Zusammensetzung, die mit einem Grad an Unabhängigkeit von visuellen Referenzen in der Welt existieren kann zu schaffen. die westliche Kunst gewesen war, von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts , untermauert durch die Logik der Perspektive und dem Versuch, eine Illusion der sichtbaren Wirklichkeit zu reproduzieren.  Die Kunst der Kulturen mit Ausnahme der Europäischen zugänglich geworden war und zeigte alternative Wege zu beschreiben, visuelle Erfahrung für den Künstler.  Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts viele Künstler hatte das Bedürfnis, eine neue Art von Kunst, die die grundlegenden Veränderungen in Technologie, Wissenschaft und Philosophie umfassen würde.  Die Quellen, aus denen einzelne Künstler zogen ihre theoretischen Argumente waren vielfältig und spiegelt die sozialen und intellektuellen Beschäftigungen in allen Bereichen der westlichen Kultur zu dieser Zeit. 

Wassily Kandinsky , On White 2, 1923

 Abstrakte Kunst, ungegenständlichen Kunst, gegenstandslosen Kunst und ungegenständlichen Kunst sind lose verwandten Begriffen.  Sie sind ähnlich, wenn auch vielleicht nicht von gleicher Bedeutung. 

 Abstraktion bedeutet eine Abkehr von der Realität in Darstellung von Bildern in der Kunst.  Diese Abweichung von genaue Darstellung der Bilder kann nur eine geringe, oder es kann teilweise oder vollständig sein kann.  Abstraktion existiert entlang eines Kontinuums.  Auch die Kunst, die für die Wahrhaftigkeit des höchsten Grades Ziel kann gesagt werden, abstrakt zu sein, zumindest theoretisch, denn perfekte Darstellung dürfte sich als äußerst schwer fassbar.  Kunst, die Freiheit nimmt, verändern zum Beispiel Farbe und Form in einer Weise, die auffällig sind, kann man sagen, teilweise abstrakt.  Insgesamt Abstraktion trägt keine Spur eines Hinweises auf irgendetwas zu erkennen.  In der geometrischen Abstraktion , zum Beispiel ist ein unwahrscheinlich, dass Verweise auf naturalistischen Einheiten zu finden. Figurative Kunst und der totalen Abstraktion sind fast gegenseitig ausschließen .  Doch figurative und gegenständliche (oder realistisch ) Kunst enthält oft teilweise Abstraktion. 

 Sowohl die geometrische Abstraktion und lyrischen Abstraktion sind oft völlig abstrakt.  Unter den sehr zahlreichen Kunstrichtungen , die teilweise Abstraktion verkörpern würde zum Beispiel sein, Fauvismus , in der Farbe sichtbar und bewusst vis-a-vis der Wirklichkeit verändert wird, und Kubismus , die eklatant verändert die Formen der realen Entitäten dargestellt.

Geschichte :

Abstraktion in der frühen Kunst und vielen Kulturen

Ein Großteil der Kunst früherer Kulturen - Zeichen und Markierungen auf Keramik, Textilien, und Inschriften und Malereien auf Felsen - waren einfache, geometrische Formen, die lineare und hätte haben können Sie eine symbolische oder dekorativen Zweck.  Es ist auf dieser Ebene der visuellen was bedeutet, dass abstrakte Kunst kommuniziert.  Man kann die Schönheit genießen chinesische Kalligraphie oder islamischen Kalligraphie ohne in der Lage, es zu lesen.

Jahrhundert

Drei Kunstrichtungen , die zur Entwicklung der abstrakten Kunst beigetragen haben Romantik , Impressionismus und Expressionismus .  Künstlerische Unabhängigkeit für Künstler wurde während des 19. Jahrhunderts vorangetrieben.  Patronat der Kirche und verminderte private Mäzenatentum aus der Öffentlichkeit wurde immer in der Lage, den Lebensunterhalt für Künstler.

Frühe Andeutungen einer neuen Kunst war durch gemacht worden James McNeill Whistler , der in seiner Malerei Die fallende Rakete: Nocturne in Schwarz und Gold , (1872), legte mehr Wert auf visuelle Sensation als die Darstellung von Objekten. Ein objektives Interesse daran, was gesehen wird, kann aus den Bildern zu erkennen ist von John Constable , JMW Turner , Camille Corot und von ihnen zu den Impressionisten, die die Fortsetzung plein air Malerei der Schule von Barbizon . Paul Cézanne hatte als Impressionist, sondern sein Ziel begonnen -, um eine logische Konstruktion von Wirklichkeit auf einen Blick von einem einzigen Punkt der Basis zu machen, mit modulierten Farbe in flachen Gebieten - wurde zur Grundlage einer neuen visuellen Kunst, der später in die entwickelt werden Kubismus von Georges Braque und Pablo Picasso . 

Expressionistischen Maler erforscht die kühne Verwendung der Lackoberfläche, Zeichnen Verzerrungen und Übertreibungen, und intensive Farbe.  Expressionisten produziert emotional aufgeladene Gemälde, die Reaktionen auf waren und Wahrnehmungen der zeitgenössischen Erfahrung, und Reaktionen auf Impressionismus und anderer konservativer Richtungen der Malerei Ende des 19. Jahrhunderts.  Die Expressionisten drastisch verändert den Schwerpunkt auf die Thematik zu Gunsten der Darstellung der psychischen Zustände des Seins.  Obwohl Künstler wie Edvard Munch und James Ensor zog Einflüsse vor allem aus der Arbeit des Post-Impressionisten sie waren maßgeblich an der Einführung der Abstraktion im 20. Jahrhundert.

Zusätzlich im späten 19. Jahrhundert in Osteuropa Mystik und frühen modernistischen Religionsphilosophie ausgedrückt durch Theosoph Mme. Blavatsky hatte tiefgreifende Auswirkungen auf die Pionier geometrischen Künstlern wie Wassily Kandinsky , und Hilma af Klint .  Die mystische Lehre von Georges Gurdjieff und PD Ouspensky hatte auch einen wichtigen Einfluss auf den frühen Formationen der geometrischen abstrakten Stile von Piet Mondrian und seine Kollegen im frühen 20. Jahrhundert. 

Jahrhundert

t-Impressionismus wie praktiziert Paul Gauguin , Georges Seurat , Vincent van Gogh und Paul Cézanne hatten einen enormen Einfluss auf Kunst des 20. Jahrhunderts und führte zum Aufkommen der Abstraktion des 20. Jahrhunderts.  Das Erbe von Malern wie Van Gogh , Cézanne , Gauguin und Seurat war wesentlich für die Entwicklung der modernen Kunst .  Zu Beginn des 20. Jahrhunderts Henri Matisse und viele andere junge Künstler einschließlich der Vor-kubistische Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy und Maurice de Vlaminck revolutionierte die Pariser Kunstwelt mit "wilden", bunt, ausdrucksstark, Landschaften und Figur Gemälde, dass die Kritiker genannt Fauvismus .  Mit seiner ausdrucksstarken Einsatz von Farbe und seine freie und phantasievolle Zeichnung Henri Matisse sehr nahe kommt zur reinen Abstraktion in Französisch Fenster auf Collioure , (1914), Blick auf Notre-Dame , (1914), und The Yellow Vorhang aus dem Jahr 1915.  Die rohe Sprache der Farbe als durch die entwickelte Fauves direkt beeinflusst andere Pionier der Abstraktion Wassily Kandinsky (siehe Abbildung). 

 Obwohl der Kubismus letztlich hängt Gegenstand, wurde es, zusammen mit Fauvismus , die Kunstrichtung, die direkt öffnete die Tür zur Abstraktion im 20. Jahrhundert. Pablo Picasso seine ersten kubistischen Gemälde auf Cézannes Gedanke zugrunde, dass alle Schilderung der Natur zu reduziert werden kann drei Feststoffe: Würfel , Kugel und Kegel .  Mit dem Gemälde Les Demoiselles d'Avignon 1907, dramatisch Picasso schuf eine neue und radikale Bild Darstellung einer rohen und primitiven Bordellszene mit fünf Prostituierten, heftig gemalten Frauen, erinnert an afrikanische Stammeskunst Masken und seinen eigenen neuen kubistischen Erfindungen. Analytischen Kubismus wurde gemeinsam entwickelt von Pablo Picasso und Georges Braque , von etwa 1908 bis 1912.  Analytischen Kubismus, der erste klare Manifestation des Kubismus, folgte synthetischen Kubismus , von Braque, Picasso, praktiziert Fernand Léger , Juan Gris , Albert Gleizes , Marcel Duchamp und zahlreiche andere Künstler in den 1920er Jahren. Synthetischer Kubismus durch die Einführung von verschiedenen charakterisiert Texturen, Oberflächen, Collage -Elemente, Papier collé und eine Vielzahl von fusionierten Gegenstand.  Die Collage Künstlern wie Kurt Schwitters und Man Ray und andere unter die Ahnung vom Kubismus waren maßgeblich an der Entwicklung der Bewegung mit dem Namen Dada . 

 Der italienische Dichter Marinetti veröffentlicht 'die Gründung und Manifest des Futurismus "im Jahr 1909, die Künstler wie inspiriert Carlo Carra in, Malerei von Sounds, Geräusche und Gerüche und Umberto Boccioni Zug in Bewegung, 1911, zu einer weiteren Stufe der Abstraktion und tiefgreifend beeinflusst Kunstrichtungen in ganz Europa. 

 Im Jahre 1913 der Dichter Guillaume Apollinaire nannte das Werk von Robert und Sonia Delaunay, Orphismus .  Er definierte sie als, die Kunst der Malerei neue Strukturen aus Elementen, die nicht aus dem visuellen Bereich wurden ausgeliehen, war aber vollständig vom Künstler geschaffen ... es ist eine reine Kunst. 

 Seit der Jahrhundertwende kulturellen Verbindungen zwischen den Künstlern der großen europäischen und amerikanischen Städten hatte sich sehr aktiv, da sie zu einer Kunstform gleich den hohen Ansprüchen zu schaffen strebte Modernismus .  Ideen konnten mit Hilfe von Künstlern Bücher, Ausstellungen und befruchten Manifeste , so dass viele Quellen waren offen für Experimente und Diskussionen, und bildeten eine Grundlage für eine Vielfalt von Formen der Abstraktion.  Der folgende Auszug aus "Die Welt rückwärts", gibt einen Eindruck von der gegenseitigen Verbundenheit von Kultur zur Zeit: 

 ' David Burliuk das Wissen der modernen Kunst Bewegungen müssen äußerst up-to-date sind, für das zweite Karo Bube Ausstellung , im Januar 1912 statt (in Moskau) gehörten nicht nur Gemälde aus München gesendet, aber einige Mitglieder der deutschen Die Brücke -Gruppe, während aus Paris kamen Arbeiten von Robert Delaunay , Henri Matisse und Fernand Léger , sowie Picasso.  Während der Frühlings-David Burliuk gab zwei Vorträge über Kubismus und plante eine polemische Publikation, die das Karo Bube war, zu finanzieren.  Er ging ins Ausland im Mai und kam wieder entschlossen, den Almanach Rivalen Der Blaue Reiter , die von den Druckern aufgetaucht war, während er in Deutschland "war. 

 Bis 1911 viele experimentelle Arbeiten bei der Suche nach dieser "reinen Kunst" geschaffen worden. František Kupka hatte die Orphist Arbeit gemalt, "Discs von Newton '.  Die Rayist (Luchizm) Zeichnungen von Natalia Gontscharowa und Michail Larionow , verwendet Linien wie Lichtstrahlen, eine Konstruktion zu machen. Kasimir Malewitsch seinen ersten ganz abstrakten Arbeiten, die suprematistischen , "Schwarzes Quadrat", im Jahr 1915.  Eine andere Gruppe des suprematistischen " Ljubow Popowa , schuf die architektonische Konstruktionen und Raum-Kraft-Konstruktionen zwischen 1916 und 1921. Piet Mondrian wurde entwickelt seine abstrakte Sprache, der horizontale und vertikale Linien mit Rechtecken von Farbe, zwischen 1915 und 1919 war Neoplastizismus die Ästhetik, die Mondrian, Theo van Doesburg und anderen in der Gruppe De Stijl soll die Umwelt für die Zukunft neu zu gestalten.

Musik :

Bildende Kunst, da es mehr abstrakt wird immer mehr wie Musik: eine Kunstform, die die abstrakten Elemente von Klang und Abteilungen der Zeit verwendet. Wassily Kandinsky , selbst ein Musiker, wurde von der Möglichkeit, Muster und assoziative Farbe durchschlagender in der Seele inspiriert. Die Idee hatte mich darauf gebracht von Charles Baudelaire , dass alle unsere Sinne auf verschiedene Reize reagieren, sondern die Sinne auf einer tieferen ästhetischen Ebene verbunden. 

 Eng damit verbunden ist die Vorstellung, dass Kunst die spirituelle Dimension hat und zu transzendieren "alltäglichen Erfahrung, Erreichen einer spirituellen Ebene.  Die Theosophische Gesellschaft popularisiert die alte Weisheit der heiligen Bücher Indiens und Chinas in den ersten Jahren des Jahrhunderts.  Es war in diesem Zusammenhang, dass Piet Mondrian , Wassily Kandinsky , Hilma af Klint und andere Künstler arbeiten in Richtung einer "gegenstandslosen Zustand 'Interesse an Okkultismus als eine Möglichkeit der Schaffung eines' inneren 'Objekt geworden ist.  Die universellen und zeitlosen Formen gefunden in Geometrie : Kreis, Quadrat und Dreieck werden die räumlichen Elemente in der abstrakten Kunst, sie sind, wie Farbe, grundlegende Systeme sichtbaren Wirklichkeit zugrunde liegt.

russischen Avantgarde :

Viele der abstrakten Künstler in Russland wurde Konstruktivisten glauben, dass Kunst nicht mehr war etwas abgelegen, aber das Leben.  Der Künstler muss ein Techniker zu werden, zu lernen, die Werkzeuge und Materialien der modernen Produktion zu verwenden. Kunst ins Leben! War Wladimir Tatlin 's Motto, und dass von allen zukünftigen Konstruktivisten. Warwara Stepanowa und Alexandre Exter und andere verlassene Tafelmalerei und ihre umgeleitet Energien zu Theater Design und grafische Arbeiten.  Auf der anderen Seite stand Kasimir Malewitsch , Anton Pevsner und Naum Gabo .  Sie argumentierten, dass die Kunst im Wesentlichen war ein geistiger Aktivität; auf die individuellen Platz in der Welt zu schaffen, nicht an das Leben in einer praktischen, materialistischen Sinne zu organisieren.  Viele derjenigen, die feindlich gegenüber der materialistischen Produktion Idee von Kunst waren Russland verlassen.  Anton Pevsner ging nach Frankreich, ging Gabo zunächst nach Berlin, dann nach England und schließlich nach Amerika.  Kandinsky studierte in Moskau dann nach links zum Bauhaus .  Bis Mitte der 1920er Jahre der revolutionären Periode (1917-1921) als Künstler frei gewesen Experiment war vorbei, und von den 1930er Jahren nur soziale realistischen Kunst . durfte 

Das Bauhaus :

Das Bauhaus in Weimar, wurde Deutschland im Jahr 1919 gegründet von Walter Gropius .  Die Philosophie des Lehrprogramms Einheit aller visuelle und bildende Kunst aus Architektur und Malerei für die Weberei und Glasmalerei war.  Diese Philosophie war von den Ideen der gewachsenen Arts and Crafts Bewegung in England und den Deutschen Werkbund .  Unter den Lehrer waren Paul Klee , Wassily Kandinsky , Johannes Itten , Josef Albers , Anni Albers , Theo van Doesburg und Laszlo Moholy-Nagy .  Im Jahr 1925 wurde die Schule nach Dessau umgezogen war und, wie der Nazi-Partei gewann die Kontrolle im Jahr 1932, Das Bauhaus wurde geschlossen.  Im Jahr 1937 eine Ausstellung mit entarteter Kunst , "Entartete Kunst" enthalten alle Arten von Avantgarde- Kunst missbilligt durch die Nazi-Partei.  Dann begann der Exodus: nicht nur aus dem Bauhaus, sondern aus Europa im Allgemeinen, nach Paris, London und Amerika.  Paul Klee ging in die Schweiz, aber viele der Künstler am Bauhaus ging nach Amerika.

Abstraktion in Paris und London :

Kurt Schwitters , Das Undbild, 1919,
 Staatsgalerie Stuttgart

In den 1930er Jahren in Paris wurde der Gastgeber für Künstler aus Russland, Deutschland, Holland und anderen europäischen Ländern durch den Aufstieg der betroffenen Totalitarismus . Sophie Taeuber und Hans Arp arbeiteten zusammen an Gemälden und Skulpturen unter Verwendung von organischen / geometrische Formen.  Die polnische Katarzyna Kobro angewendet mathematisch basiert Ideen zur Skulptur.  Die vielen Arten von Abstraktion jetzt in unmittelbarer Nähe zu den Bemühungen von Künstlern, die verschiedenen konzeptionellen und ästhetischen Gruppierungen zu analysieren.  Eine Ausstellung von 46 Mitgliedern der Gruppe Cercle et Carré organisiert von Michel Seuphor  enthaltenen Arbeit von den Neo-Plasticists sowie Abstrakten wie Kandinsky, Anton Pevsner und variiert Kurt Schwitters .  Kritisiert durch Theo van Doesburg , um zu unbestimmt er eine Sammlung veröffentlichen die Zeitschrift Art Concret Festlegung ein Manifest Definition einer abstrakten Kunst, in der die Linie, Farbe und Oberfläche nur, sind die konkrete Realität sein. Abstraction-Création im Jahr 1931 gegründet als eine offene Gruppe, vorausgesetzt, einen Bezugspunkt für die abstrakten Künstler, wie sich die politische Situation verschlechterte sich im Jahr 1935 wieder neu gruppiert und Künstler, viele davon in London.  Die erste Ausstellung des britischen abstrakte Kunst wurde in England im Jahre 1935 statt.  Im darauf folgenden Jahr die mehr internationale Abstrakte und konkrete Ausstellung wurde organisiert von Nicolete Grau darunter Arbeiten von Piet Mondrian , Joan Miró , Barbara Hepworth und Ben Nicholson .  Hepworth, Nicholson und Gabo zog in die St. Ives Gruppe in Cornwall, um ihre "konstruktivistische" Arbeit fortzusetzen. 

America: Mitte des Jahrhunderts :

Während der nationalsozialistischen Machtübernahme in den 1930er Jahren flohen viele Künstler Europas zu den Vereinigten Staaten.  Durch den frühen 1940er Jahren die wichtigsten Bewegungen in der modernen Kunst, Expressionismus, Kubismus, Abstraktion, Surrealismus und Dadaismus wurden in New York vertreten: Marcel Duchamp , Fernand Léger , Piet Mondrian , Jacques Lipchitz , Max Ernst , André Breton , waren nur einige der der im Exil lebende Europäer, die in New York angekommen. Die reichen kulturellen Einflüssen von den europäischen Künstlern gebracht wurden destilliert und aufgebaut werden von lokalen New Yorker Maler.  Das Klima der Freiheit in New York ließ all diese Einflüsse zu florieren.  Die Galerien, die in erster Linie auf die europäische Kunst konzentriert hatte, fing an, die lokale Kunstszene und die Arbeit der jungen amerikanischen Künstlern, die begonnen hatte, um zu reifen bemerken.  Einige dieser Künstler wurden deutlich in ihren abstrakten reifes Werk.  Einige Künstler der Zeit getrotzt Kategorisierung, wie Georgia O'Keeffe , die zwar einem modernistischen Abstraktionist, war eine reine Einzelgänger, dass sie gemalt höchst abstrakte Formen, während Beitritt nicht eine bestimmte Gruppe der Periode.  Schließlich amerikanischen Künstlern, die in einer großen Vielfalt von Stilen arbeiten begann, wurden in zusammenhängende stilistische Gruppen verschmelzen.  Die bekannteste Gruppe amerikanischer Künstler wurde bekannt als die abstrakten Expressionisten und der New York School .  In New York City gab es eine Atmosphäre, die Diskussion angeregt und es gab neue Chance für Lernen und Wachsen.  Künstler und Pädagogen John D. Graham und Hans Hofmann wurde wichtige Brücke zwischen den Figuren neu eingetroffenen europäischen Modernisten und den jüngeren amerikanischen Künstlern coming of age. Mark Rothko , in Russland geboren, begann mit stark surrealistischen Bildsprache, die später in seiner kraftvollen Farbkompositionen von gelöstem Anfang der 1950er Jahre.  Der expressionistische Geste und der Akt des Malens selbst, wurde vor allem darauf an Jackson Pollock und Franz Kline .  Während in den 1940er Jahren Arshile Gorky 's und Willem de Kooning 's figurativen Arbeiten in die Abstraktion bis zum Ende des Jahrzehnts entwickelt.  New York City wurde zum Zentrum und Künstlern aus aller Welt angezogen zu ihr;. Von anderen Orten in Amerika als auch 

Abstraktion im 21. Jahrhundert :

Eine verbreitete Meinung ist, dass Pluralismus charakterisiert die Kunst zu Beginn des 21. Jahrhunderts.  Es gibt keinen Konsens, noch müssen da sein, wie eine repräsentative Stil der Zeit.  Es gibt ein anything goes Haltung, die sich durchsetzt, ein "alles los ist", und folglich "nichts los"-Syndrom, das schafft ein ästhetisches Stau ohne feste und klare Richtung und mit jeder Spur auf der künstlerischen Datenautobahn voll belegt waren.  Folglich prächtige und wichtige Kunstwerke weiterhin wenn auch in einer Vielzahl von Stilen und ästhetische Temperamente gemacht werden, wobei der Markt links nach Verdienst zu beurteilen. 

Digitale Kunst , Computerkunst , Internet-Technik , Hard-Edge-Malerei , die geometrische Abstraktion , Aneignung , Hyperrealismus , Fotorealismus , Expressionismus , Minimalismus , lyrischen Abstraktion , Pop-Art, Op Art, Abstrakter Expressionismus, Farbfeldmalerei, monochrome Malerei , Neo-Expressionismus , Collage , decollage , intermedia , Assemblage , digitale Malerei , postmoderne Kunst, Neo-Dada Malerei, shaped canvas Malerei-, Umwelt- Wandmalerei , Graffiti , Malerei Figur , Landschaftsmalerei , Porträtmalerei , sind ein paar Fort-und Stromrichtungen am Anfang der 21. Jahrhunderts. 

 Ins 21. Jahrhundert Abstraktion bleibt sehr im Blick, seine Hauptthemen: die transzendentale, das kontemplative und das zeitlos werden durch exempified Barnett Newman , John McLaughlin , und Agnes Martin . sowie jüngere lebenden Künstler Kunst als Objekt gesehen, wie in der Minimalist Skulptur von Donald Judd und den Gemälden von Frank Stella sind noch heute in neueren Permutationen.  Die poetische, lyrische Abstraktion und der sinnlichen Einsatz von Farbe im Werk von Malern so vielfältig wie gesehen, Robert Motherwell , Patrick Heron , Kenneth Noland , Sam Francis , Cy Twombly , Richard Diebenkorn , Helen Frankenthaler , Joan Mitchell , unter anderem. 

 Es gab ein Wiederaufleben nach dem Krieg und in den 1950er Jahren der figurativen, als Neo-Dada , Fluxus , geschieht , Konzeptkunst , Neo-Expressionismus , Kunst-Installation , Performance-Kunst , Videokunst und Pop-Art sind gekommen, um das Alter des Konsums bedeuten .  Die Unterscheidung zwischen abstrakter und figurativer Kunst hat in den letzten zwanzig Jahren immer weniger definiert verlässt ein breiteres Spektrum an Ideen für alle Künstler.